ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

автор Иван Ургант Сб Дек 31 2011, 22:31

Илья Ефимович Репин.
Первыми учителями, направившими его гений, были чугуевские художники И. М. Бунаков и Л. И. Персанов. На свой "опасение и риск" в 1863 году Репин приехал в Петербург. В Рисовальной школе при Бирже он встречается с И. Н. Крамским, тот, что безотлагательно заметил талантливого юношу и стал его другом и наставником на долгие годы. В 1864 году Репин поступает в Академию художеств и в 1871 году блестяще заканчивает ее конкурсной картиной "Воскрешение дочери Иаира" (1871, ГРМ).
Достоинство репинской конкурсной программы - в умении коренным образом переосмыслить традиционные академические законы.
Другой "академией" для Репина в эти годы была знаменитая Артель Крамского, возникшая в 1865 году в Петербурге и сыгравшая большую образ в формировании и развитии художника. Выставленная в марте 1873 года картина "Бурлаки на Волге" (ГРМ) безотложно обратила на себя чуткость как одно из примечательных явлений русского изобразительного искусства. "Никогда ещё горькая фатум вьючного людского скота не представала перед зрителем на холсте в этакий страшной массе, в таком громадном пронзительном аккорде. Что за людская мозаика со всех концов России", - писал В. В. Стасов. Силу человеческого духа увидели в картине современники. О картине появилось полно статей в периодической печати. Имя Репина стало обширно известным. Он совершенно утверждает себя как художник огромного диапазона. В 70-е годы Репиным написаны известные портреты: брата художника В. Е. Репина (1867, ГРМ), архитектора Ф. Д. Хлобощина (1868, ГРМ), невесты Репина, в дальнейшем его жены, В. А. Шевцовой (1869, ГРМ).
Большая золотая медаль дает Репину право на поездку во Францию. В мае 1873 года он отправляется в турне по Австрии и Италии. В письмах к Стасову, Крамскому, Третьякову он делится мыслями об искусстве, восхищается Микеланджело, колористическим совершенством произведений Веронезе, Тициана, Тинторетто, увлекается портретами Веласкеса, Рембрандта.
В Париже Репин непочатый край работает, пишет этюды, а ещё картины "Парижское кафе" (1875, частное собрание, Стокгольм) и "Негритянка" (1875, ГРМ), создает на былинный сюжет полотно "Садко" (1876, ГРМ). Подлинный расцвет творчества Репина начинается с момента его возвращения на родину в 1876 году. Он вступает в ряды Товарищества передвижных экспозиций и в 80-е годы становится ведущим художником посреди передвижников, автором многофигурных исторических и жанровых композиций, блестящим портретистом.
Многообразные явления современной художнику жизни, обеспеченность народных типов и характеров находят яркое отображение в творчестве Репина и воплощаются в своеобразную художественную летопись эпохи. Здесь и озлобленный, исстрадавшийся крестьянин "Мужик с дурным глазом" (1877, ГТГ), и "Протодьякон" (1877, ГТГ),- "экстракт наших дьяконов... у которых ни на йоту не попадается ничего духовного - весь он плоть и кровь, лупоглазие, зев и крик..." Здесь и народная удаль, безудержные веселые танцы украинских крестьян в картине "Вечорнищ" (1881, ГТГ), и "подобно как хлынувшая на дорогу "пореформенная Россияне социальными контрастами, глубокими жизненными противоречиями, так ослепительно показанными в многофигурной композиции "Крестный ход в Курской губернии" (1880-1883, ГТГ).
Илья Ефимович Репин был первым художником, тот, что изобразил революционеров-народников. Они предстают в полотнах - "Под конвоем" (1876, ГТГ), "Арест пропагандиста" (1880-1889, ГТГ), "Отказ от исповеди" (1879-1885, ГТГ) и "Не ждали" (1884, ГТГ). В этих произведениях ясно читается горячее сочувствие художника революционной борьбе, утверждение красоты геройского поступка и своего рода призыв к коренному изменению жизни.
И к прошлому Репин обращается для того, чтобы глубже осознать современность, истоки национального характера, причины исторических коллизий, глубину психологических переживаний.
Первое полотно Репина, сюжет которого взят из русской истории, - "Царевну Софья Алексеевна в Новодевичьем монастыре в 1698 году" (1879, ГТГ). В годы реакции, разгромившей революционно-народническое движение, появляется картина "Иван Грозный и сынуля его Иван 16 ноября 1581 года" (1885, ГТГ). Замысел картины возник как отклик на кровавые события времени, как гневный протест супротив деспотизма. Репин вспоминает: "Кровавое событие 1 марта всех взволновало. Какая-то кровавая полоска прошла посредством тот самый год... я работал завороженный. Мне минутами становилось страшно". Не ненароком обер-прокурор синода Победоносцев злобно докладывал царю о картине: "Удивительное нынче художество; без малейших идеалов, только с чувством голого реализма, с тенденцией критики и обличения". В облике Ивана Грозного претворились некоторые черты художника Г. Г. Мясоедова. композитора П. И. Бларамберга, а в облике сына Ивана - писателя В. М. Гаршина и художника В. К. Менка.
Величие характеров, влюбленность к свободе хотел запечатлеть художник в запорожцах, "удальцах" и "даровитейших людях своего времени", как говорил о них Репин. Более двенадцати лет работал он над картиной "Запорожцы пишут сообщение турецкому султану" (1880-1891, ГРМ). Первый проект картины относится к 1878 году.
Острое ощущение современности было определяющим в творчестве Репина. К 90-м годам он создает возле трехсот живописных портретов. Репин по праву считается ведущим русским портретистом этого периода.
Созданная Репиным портретная галерея жутко разнообразна. Здесь близкие художнику друзья, родственники и дети: "Надя" (1881, Саратовский гос. художественный музей им. А. Н. Радищева), "Стрекоза" (1884, ГТГ), "Осенний букет" (1892, ГТГ). Лучшие портреты Репина представляют передовых людей русского общества - писателей, деятелей культуры, ученых. Художник не только утверждает нового прогрессивного героя, но и раскрывает его жизнедеятельную силу. Не невзначай большинство портретов его работы поражают воплощенной в людях энергией и волей. Таковы В. В.Стасов (1883, ГРМ), Л. Н. Толстой (1887, ГТГ), А. Г. Рубинштейн (1881, ГТГ).
Художник любил движение не с целью движения: любая черта в выражении лица, в мимике, в повороте и наклоне головы видится Репиным в связи с общим состоянием человека. Потому такую остроту приобретает динамика в его портретах. "Тут у него какие-то неслыханные приемы, отроду никем непробованные", - писал Крамской о портрете Мусоргского (1881, ГТГ). Каждый из портретируемых изображен ярко-индивидуально, с теми неповторимыми чертами, которые в особенности полно раскрывали тварь божья и нрав человека. Так, пронизывающий, пытливый точка зрения хирурга Н. И. Пирогова (1881, ГТГ) выражает натуру беспокойную, ищущую, волевую. Одухотворенность, темпераментность П. А. Стрепетовой (1882, ГТГ) ослепительно показаны в напряженном взгляде затененных око, в мимике, в пересохших губах. Подобная трактовка образа определила особенности изобразительного языка, характерность живописной пластики художника.
Большого мастерства Репин добился в области графического портрета. Портреты Элеоноры Дузе (1891, ГТГ), В. А. Серова (1901, ГТГ), М. К. Тенишевой (1898, ГТГ), И. С. Остроухова (1913, ГТГ) и другие отличаются крепким красивым рисунком.
Наступают годы широкого общественного признания Репина. Открывается персональная экспозиция произведений художника. После перестройки Академии он становится ее профессором. В его мастерской учатся молодые художники: И. С. Куликов, Ф. А. Малявин, А. П. Остроумова-Лебедева, Б. М. Кустодиев.
В 1901 году художник получает правительственный заказ: накарябать торжественное совещание Государственного Совета в день столетнего юбилея.
Грандиозное многофигурное полотно (35 кв. м) "Торжественное совещание Государственного Совета 7 мая 1901 года" (1901-1903, ГРМ), в исполнении которого принимали участие Б. М. Кустодиев и И. С. Куликов, было написано в течение двух лет. На парадном портрете изображено больше восьмидесяти джентльмен - сановников Государственного Совета, во главе с царем и членами царствующего дома. К картине Репин написал пятьдесят этюдов-портретов и эскизы.
Широкое, свободное сообщение, мощь типизации делают этюды-портреты вершиной живописного мастерства Репина.
Последние тридцать лет жизни художник прожил в Куоккале. Заново отстроенный жилище с мастерской был назван им "Пенаты".
После Великой Октябрьской революции "Пенаты" оказались отрезанными от родины: недалеко проходила рубежная линия СССР и Финляндии. Делегация советских художников, посреди которых был и ученик Репина И. И. Бродский, навестила его. Репин мечтал возвратиться на родину. Однако сил оставалось все меньше. Здоровье шло на убыль.
В августе 1930 года в возрасте восьмидесяти шести лет Илья Ефимович Репин скончался.

автор Константин Сб Апр 14 2012, 10:49

Амадео Мадильяни.
Амеде́о (Иеди́дия) Клеме́нте Модилья́ни (итал. Amedeo Clemente Modigliani; 12 июля 1884, Ливорно, Италия — 24 января 1920, Париж, Франция) — итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX — начала XX века, яркий представитель экспрессионизма.
Модильяни вырос в Италии, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения, пока в 1906 году не переехал в Париж. В Париже он познакомился с такими значительными художниками, как Пабло Пикассо и Константин Брынкуши, оказавшими большое влияние на творчество Модильяни. Модильяни имел слабое здоровье — он часто страдал от заболеваний лёгких и в возрасте 35 лет умер от туберкулёза. О жизни художника известно лишь из немногих достоверных источников.
Наследие Модильяни составляют главным образом картины и эскизы, однако с 1909 по 1914 годы он занимался в основном скульптурами. Как на полотнах, так и в скульптуре, основным мотивом Модильяни являлся человек. Помимо этого сохранились несколько пейзажей; натюрморты и картины жанрового характера не интересовали художника. Часто Модильяни обращался к произведениям представителей Ренессанса, а также к популярному в то время африканскому искусству. В то же время творчество Модильяни нельзя отнести ни к одному из современных направлений того времени, как например, кубизм или фовизм. Из-за этого искусствоведы рассматривают творчество Модильяни отдельно от основных течений того времени. При жизни работы Модильяни не имели успеха и стали популярными лишь после смерти художника — на последних аукционах «Сотбис» в 2010 году две картины Модильяни были проданы по рекордным для его наследия ценам — 60,6 и 68,9 миллиона долларов США.

Леонардо да Винчи.
Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи (итал. Leonardo di ser Piero da Vinci; 15 апреля 1452, селение Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции — 2 мая 1519, замок Кло-Люсе, близ Амбуаза, Турень, Франция) — великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» (лат. homo universalis). Леонардо осмысливался в последующей традиции как личность, наиболее ярко очертившая диапазон творческих исканий своей эпохи.
Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в селении Анкиано близ Винчи: недалеко от Флоренции в «три часа ночи» то есть в 22:30 по современному отсчёту времени. Отмечено в дневнике деда Леонардо (дословный перевод): «В субботу, в три часа ночи 15 апреля родился мой внук, сын моего сына Пьеро. Мальчика назвали Леонардо. Его крестил отец Пьеро ди Бартоломео». Его родителями были 25-летний нотариус Пьеро и его возлюбленная, крестьянка Катерина. Первые годы жизни Леонардо провёл вместе с матерью. Его отец вскоре женился на богатой и знатной девушке, но этот брак оказался бездетным, и Пьеро забрал своего трёхлетнего сына на воспитание. Разлученный с матерью Леонардо всю жизнь пытался воссоздать её образ в своих шедеврах. Жил он в это время у деда. В Италии того времени к незаконнорожденным детям относились почти как к законным наследникам. Многие влиятельные люди города Винчи приняли участие в дальнейшей судьбе Леонардо. Когда Леонардо было 13 лет, его мачеха умерла при родах. Отец женился повторно — и снова вскоре остался вдовцом. Он прожил 67 лет, был четырежды женат и имел 12 детей. Отец пытался приобщить Леонардо к семейной профессии, но безуспешно: сын не интересовался законами общества.
Легенда о щите Медузы
В своих «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» Вазари рассказывает, что как-то один знакомый крестьянин попросил отца Леонардо найти художника, чтобы тот расписал круглый деревянный щит. Сер Пьеро отдал щит своему сыну. Леонардо решил изобразить голову горгоны Медузы, а чтобы изображение чудовища производило на зрителей должное впечатление, он использовал в качестве натуры ящериц, змей, кузнечиков, гусениц, нетопырей и «прочих тварей» «из множества каковых, сочетая их по-разному, он создал чудовище весьма отвратительное и страшное, которое отравляло своим дыханием и воспламеняло воздух». Результат превзошёл его ожидания: когда Леонардо показал законченную работу отцу, тот испугался. Сын сказал ему: «Это произведение служит тому, ради чего оно сделано. Так возьмите же и отдайте его, ибо таково действие, которое ожидается от произведений искусства». Сер Пьеро не отдал работу Леонардо крестьянину: тот получил другой щит, купленный у старьёвщика. Щит же Медузы отец Леонардо продал во Флоренции, выручив за него сто дукатов. По преданию, этот щит перешёл к семье Медичи, а когда он был утерян, полновластных хозяев Флоренции изгнал из города восставший народ. Через много лет кардинал дель Монте заказал картину с изображением Медузы Горгоны Караваджо. Новый талисман был преподнесён Фердинанду I Медичи в честь женитьбы его сына.
Мастерская Верроккьо
Мастерская Верроккьо находилась в интеллектуальном центре тогдашней Италии, городе Флоренции, что позволило Леонардо обучиться гуманитарным наукам, а также приобрести некоторые технические навыки. Он изучил черчение, химию, металлургию, работу с металлом, гипсом и кожей. Помимо этого юный подмастерье занимался рисованием, скульптурой и моделированием. В мастерской, кроме Леонардо, обучались Перуджино, Лоренцо ди Креди, Аньоло ди Поло, работал Боттичелли, часто бывали такие известные мастера, как Гирландайо и др. Впоследствии, даже когда отец Леонардо принимает его на работу в свою мастерскую, он продолжает сотрудничать с Верроккьо.
В 1473 году в возрасте 20 лет Леонардо да Винчи получает квалификацию мастера в Гильдии Святого Луки.
В XV веке в воздухе носились идеи о возрождении античных идеалов. Во Флорентийской Академии лучшие умы Италии создавали теорию нового искусства. Творческая молодёжь проводила время в оживленных дискуссиях. Леонардо оставался в стороне от бурной общественной жизни и редко покидал мастерскую. Ему было не до теоретических споров: он совершенствовал свое мастерство. Однажды Верроккьо получил заказ на картину «Крещение Христа» и поручил Леонардо написать одного из двух ангелов. Это была обычная практика художественных мастерских того времени: учитель создавал картину вместе с помощниками-учениками. Самым талантливым и старательным поручалось исполнение целого фрагмента. Два ангела, написанные Леонардо и Верроккьо, недвусмысленно продемонстрировали превосходство ученика над учителем. Как пишет Вазари, пораженный Верроккьо забросил кисть и никогда больше не возвращался к живописи.
У Леонардо было много друзей и учеников. Что же касается любовных отношений, достоверных сведений на этот счёт нет, поскольку Леонардо тщательно скрывал эту сторону своей жизни. Женат он не был, о романах с женщинами достоверных сведений нет. По некоторым версиям, у Леонардо была связь с Чечилией Галлерани, фавориткой Лодовико Моро, с которой он написал свою знаменитую картину «Дама с горностаем». Ряд авторов, вслед за словами Вазари, предполагают интимные отношения с юношами, в том числе учениками (Салаи), другие считают, что, несмотря на гомосексуальность живописца, отношения с учениками не были интимными.
Леонардо присутствовал на свидании короля Франциска I с папой Львом X в Болонье 19 декабря 1515 года. Франциск поручил мастеру сконструировать механического льва, способного ходить, из груди которого появлялся бы букет лилий. Возможно, этот лев приветствовал короля в Лионе или использовался во время переговоров с папой.
В 1516 году Леонардо принял приглашение французского короля и поселился в его замке Кло-Люсе, —- там Франциск I провёл своё детство, — неподалёку от королевского замка Амбуаз. В официальном звании первого королевского художника, инженера и архитектора Леонардо получал годовую ренту в тысячу экю. Никогда до этого в Италии Леонардо не имел звания инженера. Леонардо был не первым итальянским мастером, милостью французского короля получившим "свободу грезить, мыслить и творить" , — до него подобную честь разделяли Андреа Соларио и Фра Джованни Джокондо.
Во Франции Леонардо почти не рисовал, но мастерски занимался организацией придворных празднеств, планированием нового дворца в Роморантане при задуманном изменении речного русла, проектом канала между Луарой и Соной, главной двухзаходной спиральной лестницей в замке Шамбор. За два года до смерти у мастера онемела правая рука, и он с трудом передвигался без посторонней помощи. Третий год жизни в Амбуазе 67-летний Леонардо провел в постели. 23 апреля 1519 года он оставил завещание, а 2 мая скончался в окружении учеников и своих шедевров в Кло-Люсе. По словам Вазари, да Винчи умер на руках короля Франциска I, своего близкого друга. Эта малодостоверная, но распространённая во Франции легенда нашла отражение в полотнах Энгра, Ангелики Кауфман и многих других живописцев. Леонардо да Винчи был похоронен в замке Амбуаз. На могильной плите была выбита надпись: «В стенах этого монастыря покоится прах Леонардо да Винчи, величайшего художника, инженера и зодчего Французского королевства».
Основным наследником был сопровождавший Леонардо ученик и друг Франческо Мельци, который в последующие 50 лет оставался главным распорядителем наследства мастера, включавшего кроме картин инструменты, библиотеку и не менее 50 тысяч оригинальных документов на различные темы, из которых до наших дней сохранилась лишь треть. Другому ученику Салаи и слуге досталось по половине виноградников Леонардо.

Французский Центр исследований и реставрации произведений искусства, находящийся в подвалах Лувра, впервые провёл анализ знаменитого портрета Моны Лизы работы Леонардо да Винчи с помощью портативного рентгенофлуоресцентного спектрометра. Работа этого прибора, производящего неразрушающий химический анализ, основана на том, что рентгеновские лучи возбуждают атомы облучаемого вещества и те в свою очередь флуоресцируют — испускают рентгеновские лучи, энергия которых характерна для атомов каждого химического элемента. В случае с картинами можно определить состав красок, которыми пользовался живописец. Новый французский спектрометр позволяет проводить послойный анализ картины, то есть детально расшифровывать технику художника.

Известно, что Леонардо использовал технику письма портретов маслом, в начале эпохи Возрождения изобретённую фламандцами. Сначала на полотно (или, в случае Джоконды, деревянную основу) наносят слой белил, хорошо отражающих свет. Затем ту область, где будет лицо, покрывают равномерным слоем телесно-розового пигмента. Розовый оттенок усиливают на губах и щеках. Тени, делающие портрет объёмным, наносят с помощью нескольких слоёв лессировки полупрозрачной смесью масел и скипидара с небольшим количеством тёмных красителей. Лессировка позволяет обогатить колорит, изменить оттенок нижележащих красок, создать светотени. Наконец портрет покрывают лаком. Но какую толщину имеют все эти слои и из чего состоят? До сих пор для ответа на этот вопрос надо было «отщипнуть» кусочек краски размером хотя бы полмиллиметра и прощупать его в электронном микроскопе тонким пучком электронов — электронным зондом. Далеко не всегда возможно взять такой образец, разве что где-то в уголке, и то если картина уже немного повреждена, а для Моны Лизы эта операция совершенно исключена.
Французские физики создали для компьютерного блока рентгеновского спектрометра программу, позволяющую по степени поглощения рентгеновских лучей вышележащими слоями краски определить их толщину. Процедура, предварительно проверенная на специально созданных картинах, нисколько не вредит живописи. Переходя от более светлых участков портрета, где слой лессировки тонок или отсутствует, к более тёмным, исследователи промерили слои, нанесённые кистью мастера. Оказалось, что средняя толщина каждого слоя порядка двух микрометров, всего слоёв около двух десятков, а общая толщина красочного слоя — до 40 микрометров. Каждый слой, судя по составу растворителей, должен был сохнуть от нескольких дней до нескольких месяцев. Обнаружилась загадочная особенность: да Винчи использовал краски с необычайно большим содержанием марганца. Причины этого неясны.
Измерения производили во вторник, когда Лувр закрыт для посетителей, работа заняла четыре часа. И ещё несколько дней продолжалась математическая обработка результатов.

автор Константин Вс Апр 15 2012, 18:58

Сутин Хаим Соломонович.
13.01.1893 — Хаим Сутин родился в Смиловичах Минской губернии, в бедной еврейской семье, и был десятым из одиннадцати детей. Отец будущего художника работал портным (по другим сведениям, синагогальным служкой). С раннего детства Хаим проявлял любовь к рисунку и живописи.
1907 — чтобы освободиться от влияния семьи (родители не разделяли точку зрения сына относительно будущей карьеры художника) и не изменить своему призванию, Хаим убегает из дома в Минск. Там он посещает лекции рисунка у Крегера — художника, известного только в узких кругах.
1910 — Сутин и его друг Михаил Кикоин едут в Вильно, где записываются в Школу изящных искусств. Будущие художники мечтают увидеть Париж.
Июнь 1913 — Сутин приезжает в Париж, где записывается в ателье Кормона в академии изящных искусств. Однако Сутин очень быстро меняет слишком «академическую» Академию на посещения Лувра, который становится его настоящим университетом. Здесь он изучает признанные произведения классиков живописи, греческую и египетскую скульптуру, картины Гойи, Эль Греко, Тинторетто, Жана Фуке, Рембрандта, Коро и Шардена. Из современников Сутин больше всего ценит Курбе и Сезанна. Сутин интересовался музыкой и литературой. Среди его любимых авторов были Монтень, Расин, Сенека, Достоевский, Пушкин, Бальзак и Рембо, среди композиторов — Бах и Моцарт. Первые годы в Париже художник живет в нищете. Перед тем, как переехать на Сите Фальгьер в пятнадцатом округе Парижа, Сутин живет и работает в «Ла Рюш», «Улье», международном общежитии бедных художников на левом берегу Сены, которое было создано в 1902 скульптором Альфредом Буше. Здесь Сутин знакомится с Марком Шагалом, Фернаном Леже, Робером Делоне, скульпторами Константином Брынкуши, Осипом Цадкиным, Анри Лораном, Липшицем и Александром Архипенко. Он встретит, прежде всего, Модильяни, с которым его соединит крепкая, но непродолжительная дружба (из-за преждевременной смерти последнего).
1918 — переезжает на юг Франции (Ванс, Кан-сюр-Мер и Сере), где остается почти на семь лет. Его впечатляет красота местных пейзажей; три года работает в бешеном темпе.
1922 — привозит в Париж около двухсот написанных работ. Американский коллекционер Альберт Барнс покупает у художника около пятидесяти произведений. В следующем году торговец произведениями искусства Леопольд Зборовски продает много полотен Сутина. Через 10 лет после прибытия в Париж он выбирается из нищеты и тратит все, что зарабатывает.
1925 — после лет, проведенных на юге Франции, Сутин возвращается в Париж, где въезжает в просторное ателье на улице Мон Сен-Готар, недалеко от площади Данфер-Рошро. Именно здесь он выполнит серию бычьих туш и многочисленные натюрморты с рыбой и птицей.
1927 — первая персональная выставка Сутина в одной из парижских галерей; знакомится с Марселеном и Мадлен Кастен, которые вслед за Зборовски возьмут опеку над художником
1929 — знакомится с историком искусств Эли Фором, который напишет первую монографию, посвященную его творчеству.
1935 — произведения художника впервые выставляются в США в рамках коллективной экспозиции в Чикаго.
1937 — выставка 12 картин художника в Государственном музее Пти Пале в Париже в рамках коллективной выставки «Мастера независимого искусства 1895—1937». Знакомится с Гердой Грот, немкой, которая скрывается от нацистского режима; она будет его подругой три года.
1939 — Сутин уезжает в Йонн.
1941 — Родители художника гибнут в Смиловичском гетто. Сам Сутин после неудачных попыток получить право на въезд в США укрывается в Шампиньи.
9 августа 1943 — Хаим Сутин умирает в Париже.
Похоронен на кладбище Монпарнас.

автор Константин Пн Апр 16 2012, 19:19

Сальвадор Дали.
Сальвадо́р Дали́(полное имя Сальвадор Доме́нек Фелип Жасинт Дали и Доме́нек, маркиз де Пуболь, исп. Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, Marqués de Dalí de Púbol; 11 мая 1904 — 23 января 1989) — испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма. Маркиз де Дали де Пуболь (1982). Работал над фильмами: «Андалузский пёс», «Золотой век», «Заворожённый». Автор книг «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим», «Великий мастурбатор», «Дневник одного гения» и эссе «Трагический миф Анжелюса Милле».

автор Константин Вт Апр 24 2012, 18:12

Интересные факты о Пабло Пикассо.
Полное имя: Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Киприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо (исп. Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Ruíz y Picasso).

Родился в 1881 году. В 1900 году, когда Пабло Пикассо жил в Париже (1900) у него было много финансовых проблем, и он сжег большое количество своих картины, чтобы согреться. Пабло Пикассо любил работать при свете обыкновенной свечи. Его первая выставка прошла, когда ему было тринадцать лет. Интересный факт: Как-то раз Стив Уинн, владелец картины Пикассо «Мечта», показывая картину своему другу, случайно проткнул полотно, стоящее несколько миллионов долларов, карандашом.

автор Константин Сб Май 05 2012, 16:51

ЭДВАРД МУНК.
Эдвард Мунк (норв. Edvard Munch; 12 декабря 1863, Лётен, Хедмарк — 23 января 1944, Экели, близ Осло) — норвежский живописец и график, театральный художник, теоретик искусства. Один из первых представителей экспрессионизма. Его творчество повлияло на современное искусство. Творчество Мунка охвачено мотивами смерти, одиночества, но при этом и жаждой жизни.
Самая известная работа Мунка — картина «Крик». Существует четыре её экземпляра, написанных между 1893 и 1910 годами. Первоначально картина называлась «Отчаяние». Охваченный ужасом человек с этой картины стал одним из самых узнаваемых образов в искусстве. В частных руках остаётся только один вариант картины (1895); он был продан 2 мая 2012 года на аукционе Sotheby's за 119,9 миллиона долларов. Это самое дорогое произведение искусства, проданное на открытом аукционе.
В Осло находится открытый в 1963 году музей Мунка, из которого 22 августа 2004 года двумя вооружёнными преступниками были похищены полотна «Крик» и «Мадонна». В мае 2006 года трое обвиняемых в краже были приговорены к тюремным срокам, а в августе полиции удалось обнаружить работы. За время нахождения в руках похитителей оба полотна получили повреждения: на них присутствовали царапины и следы от влаги, холсты были надорваны.
По словам представителя музея, пятно в углу на картине «Крик» останется заметным. «Реставраторы не хотели производить никаких необратимых действий», — сообщили в музее, добавив, что в будущем, возможно, появятся методы, позволяющие вывести пятно с картины.

Картина норвежского символиста Эдварда Мунка "Крик" продана во вторник на нью-йоркском аукционе Sotheby's за рекордные 119,9 млн долларов. Покупатель полотна пожелал остаться неизвестным. До продажи картина принадлежала норвежскому миллиардеру Петеру Ольсену.
Начальная цена "Крика" составляла 50 млн долларов. Как пишет британская The Guardian, торги продлились всего 12 минут. На произведение претендовали пять покупателей, однако большинство из них отказались от торгов после того, как к ним присоединился будущий победитель, участвовавший в аукционе по телефону.
Купленная картина - одна из четырех и, по мнению многих экспертов, лучшая версия "Крика". От других вариантов ее отличает рама - на ней Эдвард Мунк написал короткое стихотворение-комментарий.
"Крик", изображающий кричащего человека, обхватившего голову руками - наиболее известная работа норвежского символиста, жившего в 1863-1944 годах. В творчестве Мунка "Крик" занимает важное место - с 1893 по 1910 гг. художник выполнил несколько литографий и полотен с этим сюжетом. Одна из двух выполненных красками версий выставлена в Национальной галерее в Осло, другая хранится там же в музее Эдварда Мунка.
Оба полотна в свое время пытались украсть - экземпляр Национальной галереи был похищен в 1994 г., второе полотно - десять лет спустя. Обе картины в итоге удалось вернуть.
"Крик" является одним из наиболее знаменитых изображений в истории живописи. Сюжет картины постоянно воспроизводится в произведениях поп-культуры - фильмах, иллюстрациях и рекламе.
Проданная в среду картина является последним, четвертым, написанным в 1895 г. вариантом "Крика" и выполнена пастелью. Хотя номинально сумма, за которую она была продана, является самой крупной из когда-либо заплаченных за произведение искусства на открытом аукционе, поправка на инфляцию лишает ее первого места.
Пальма первенства принадлежит проданному в 1990 г. в Нью-Йорке "Портрету доктора Гаше" кисти голландского постимпрессиониста Винсента ван Гога. Одна из последних работ была куплена за 82,5 млн долларов, что с поправкой на инфляцию составляет 146,5 миллиона. На втором месте - полотно "Бал в Мулен де ла Галет" француза Огюста Ренуара, проданная 22 года назад за 78,1 млн долларов (138,7 млн в ценах 2012 года).
Замыкает "тройку лидеров" полотно испанского сюрреалиста Пабло Пикассо "Мальчик с трубкой". За него в 2004 г. удалось выручить 104,2 млн долларов, что равно 126,4 млн в современных деньгах. Таким образом, "Крик" в списке абсолютных рекордсменов занимает только четвертое место.

Шедевры импрессионистов и модернистов в последние годы достигают на открытых торгах очень высоких цен. «Крик», выставленный на Sotheby’s, — единственный вариант картины в частных руках. Его владельцем является норвежский бизнесмен Петтер Олсен (Petter Olsen), чей отец Томас был другом и покровителем Мунка. Композиция, выполненная пастелью на картоне, принадлежала семье Олсенов более 70 лет. Первоначальный вариант картины 1893 года выполнен маслом, темперой и пастелью на картоне и хранится в Национальной галерее Норвегии в Осло.
«Я прожил всю свою жизнь бок о бок с этой картиной, и ее мощь и энергия с годами стали только сильней, — говорит Олсен. — Теперь, однако, я чувствую, что пришло время дать шанс остальному миру получить и оценить по достоинству эту удивительную работу».
Средства от продажи произведения пойдут на основание нового музея, художественного центра и отеля в поместье Олсенов «Рамме Гор» в норвежском Витстене. Музей, который будет посвящен наследию Эдварда Мунка и времени его пребывания в поместье Олсенов, планируется открыть в следующем году в связи с 150-летним юбилеем художника.
Другие варианты «Крика» неоднократно становились мишенью для грабителей. Одна из версий была похищена из Национальной галереи в Осло в 1994-м, но через несколько месяцев ее удалось обнаружить. Другую работу украли из Музея Мунка в 2004 году — последующие поиски заняли два года.
Работа «Крик» пробуждает воспоминание о страхе, обуявшем как-то Мунка по дороге в Осло. На раме картины, выставляемой на майские торги, рукою художника дается пояснение произошедшего с ним в тот вечер: «Мы шли по дороге с двумя друзьями, солнце садилось, небо окрасилось в кроваво-красный цвет, и я почувствовал прилив тоски. Я замер в смертельном изнеможении — над черно-синим фьордом и городом расползалась кровь и языки пламени. Мои друзья пошли дальше — я остался позади. Дрожа от страха, я ощутил великий крик природы».
Образ кричащего на дороге человека является центральным в неоконченной серии работ Мунка «Фриз жизни». Среди прочих версий произведения эта наиболее близка первоначальной композиции, хранящейся в норвежской Национальной галерее. Ее предаукционный показ в Нью-Йорке станет первым выездом этой работы в Америку за несколько последних десятилетий.

автор Радулов Чт Май 10 2012, 21:48

Э́нди Уо́рхол (англ. Andy Warhol; настоящее имя — Андрей Вархола, словацк. Andrej Varhola, русин. Андрій Варгола, англ. Andrew Warhola; 6 августа 1928 — 22 февраля 1987) — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом.
В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы «Velvet Underground». О жизни Уорхола снято несколько художественных и документальных фильмов.
Родился в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США) четвёртым ребёнком в семье иммигрантов-русинов из села Микова у Стропкова.
В третьем классе Уорхол заболел хореей, затем перенес скарлатину, после чего большую часть времени был прикован к постели. В классе он становится изгоем. Развивается боязнь врачей и больниц (которая не отпустит его до смерти). В периоды времени, когда он прикован к постели, начинает увлекаться рисованием, делает коллажи из газетных вырезок.
Когда Энди было 13 лет, в результате несчастного случая на шахте погиб его отец.
После окончания в 1949 году художественного факультета Технологического института Карнеги переезжает в Нью-Йорк, где работает художником-иллюстратором в журналах Vogue, Harper's Bazaar и других менее популярных изданиях. Помимо этого занимается оформлением витрин и плакатов.
Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании.
В 1956 году он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов».
В 1962 году Энди создаёт картины «Зелёные бутылки кока-колы» и «Банки супа „Кэмпбелл“»
Начиная с этого периода Уорхол как фотограф и художник сотрудничает со звёздами музыки и кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джимом Моррисоном и Элвисом Пресли. После ухода Монро из жизни он создал свой знаменитый «Диптих Мэрилин», ставший аллегорией жизни и смерти актрисы.
Начинает снимать кинофильмы, однако как режиссёр успеха добивается только в узких кругах. Большинство его фильмов, снятых в тот период, не имели никакого сюжета. В основу сюжетных линий ложились псевдодокументальные съёмки, например: «мужчина примеряет трусы».
В 1963 году Уорхол приобретает здание в Манхэттене, здание получает название «Фабрика», тут Энди ставит на поток создание произведений современного искусства. В здании царит обстановка вседозволенности, проводятся вечеринки. Здание нарушило представление о мастерской художника как об уединённом месте.

автор Радулов Чт Май 10 2012, 21:50

Картина Уорхола «Двойной Элвис» продана за $37 млн
Картина основоположника поп-арта Энди Уорхола «Двойной Элвис» ушла с аукциона Сотсби в Нью-Йорке за $37 миллионов. На портрете король рок-н-ролла запечатлен в полный рост в образе ковбоя, стреляющего от бедра. Силуэт Элвиса продублирован в стороне от основного изображения в прозрачных тонах, что создает эффект раздвоения. Всего Уорхол посвятил Элвису Пресли двадцать две работы, девять из которых находится в музеях, остальные в частных коллекциях.
Энди Уорхол - культовая фигура в истории поп-арт движения. Знаменитым его сделали такие картины, как «Зелёные бутылки «Кока-колы» и «Банки супа «Кэмпбелл». Со многими звездами Уорхол работал в качестве фотографа, в том числе, с Мэрилин Монро.

автор Константин Чт Май 10 2012, 21:53

На нынешнем нью-йоркском аукционе Sotheby's главными лотами стали работы основателей поп-арта. Картина Роя Лихтенштейна «Спящая девушка» была продана за 44 млн долл., а полотно «Двойной Элвис» культового художника Энди Уорхола купили за 37 млн долл. Организаторы аукциона ожидали получить за это произведение искусства от 30 до 50 млн долл.

На портрете 1963 года «Двойной Элвис» музыкант Элвис Пресли запечатлен в полный рост в образе ковбоя, сжимающего в руках револьвер. Картина выполнена в технике шелкографии. Контрастное изображение нанесено на серебряный фон, а силуэт певца продублирован в стороне от основного изображения в прозрачных тонах. В результате создается эффект раздвоения изображения.

Элвис Пресли являлся для Энди Уорхола живым воплощением славы. Всего художник посвятил легендарному музыканту 22 работы. Девять из них украшают музеи, а остальные находятся в частных коллекциях. В последний раз одно из полотен с изображением Элвиса Пресли выставлялось на торги в 1995 году, сообщает ИТАР-ТАСС.

Энди Уорхол (1928-1987) - культовая фигура в истории поп-арта. В 1962 году он создает свои популярные картины «Зелёные бутылки «Кока-колы» и «Банки супа «Кэмпбелл», после чего начинает активно сотрудничать как фотограф и художник со звездами, среди которых были, в частности, Мэрилин Монро и Элвис Пресли.

Другой лот аукциона, картина «Спящая девушка», создана Роем Лихтенштейном в конце 1960-х годов под влиянием стилистики комиксов. До этого картина выставлялась только однажды - в 1989 году в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе. Картина ушла с молотка за 44 млн долл. Имена покупателей обоих полотен не разглашаются.

В ноябре 2011 года работа Роя Лихтенштейна под названием «Я вижу всю комнату, и там никого нет!» была продана на аукционе Christie's за 43,2 млн долл. - это самая высокая цена за полотно данного художника. В 2007 году картина Энди Уорхола «Разбившаяся зеленая машина» ушла с молотка на аукционе Christie's в Лондоне за рекордные 71 млн долл.

В ходе нынешних торгов Sotheby's произведениями современного искусства с молотка ушли также картина Роя Лихтенштейна «Парусные шлюпки» - за 11,8 млн долл., полотно знаменитого художника- экспрессиониста Фрэнсиса Бэкона «Фигура пишущего, отраженная в зеркале» - за 44,9 млн долл., а также еще одна работа Уорхола - «Десятифутовые цветы» - за 10,7 млн долл. Работа китайского художника-диссидента Ай Вэйвэя «Семена подсолнечника», состоящая из фарфоровых семян цветка, была продана за 782,5 тыс долл., установив ценовой рекорд на произведения художника.

Sotheby's является одним из старейших аукционных домов в мире: он был основан в 1744 году в Лондоне. Совместно с домом Christie's он занимает порядка 90% мирового рынка аукционных продаж антиквариата, предметов искусства и т.д. По суммарной выручке от продаж за 2011 году Sotheby's признан крупнейшим аукционным домом.

ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ

Re: ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ