ВЫСТАВКИ

Выставка цветных литографий Марка Шагала, которые он сделал на библейские темы по заказу знаменитого издателя Амбруаза Воллара, откроется в четверг в столичной Галерее Международного университета,
Шагал задумался о создании иллюстраций к Библии в 1920-е годы. Заказчиком проекта выступил известный парижский коллекционер и издатель Амбруаз Воллар, пригласивший Шагала во Францию. В 1931 году художник совершил путешествие по "библейским" странам — Палестине, Сирии и Египту — и в итоге создал ряд гуашей и офортов, иллюстрирующих тексты Ветхого Завета. Однако в 1933 году по приказу Геббельса произведения были публично сожжены в Мангейме.
В 1952-1956 годах появилась новая серия иллюстраций к Ветхому Завету. Эти работы, большая часть из которых и вошла в экспозицию выставки, стали фундаментом огромного цикла, над которым художник работал почти всю жизнь. Всего будет представлено 24 оригинальные литографии из частной коллекции Ирины Стежки.

Каждые три года в Лондоне галерея «Tate Britain» устраивает так называемое «Триеннале»(«Triennial») - важное мероприятие на британской арт-сцене в области современного искусства, призванное собрать и продемонстрировать самые последние, в прямом смысле этого слова, работы различных художников. В 2009 году для новой Триеннале организаторы собрали двадцать восемь участников из разных стран. Проект галереи Тейт курирует Никола Буррио, известный арт-критик, куратор и директор парижского Центра современного искусства «Пале де Токио»(«Palais de Tokyo»).
Нынешняя выставка получила название «Altermodern»(«Другой модерн»), которое является дословной цитатой из одноименного манифеста, представленного Н. Буррио на Марафоне манифестов 2008 в лондонской галерее Серпантин(«Serpentine gallery»). В Altermodern Manifest куратор провозглашает конец постмодернизма и активно декларирует идеи о рождении новой эпохи в XXI векe, охарактеризованной емким термином «другой модерн» (Altermodern). В целом Никола Буррио повествует о мире кросскультурных взаимоотношений, где художник превращается в странствующего исследователя и призван через искусство отражать современные формы бытия. Фактически лондонская выставка наглядно иллюстрирует не только попытки Н. Буррио воплотить положения манифеста в художественных образах, не только отражает реакцию каждого художника на пронизанный глобализацией окружающий мир, но и предлагает зрителю прийти к собственному пониманию современности.
Самой масштабной работой на лондонской Триеннале стала грандиозная скульптура «Line of control» 2008 года, по форме напоминающая атомный взрыв. Ее автором является небезызвестный индийский художник Субодх Гупта (Subodh Gupta), который сконструировал пользующийся столь дурной славой образ с помощью бесчисленного количества кухонной утвари из нержавеющей стали. Но в контексте работы С. Гупты атомный взрыв наделяется позитивным смыслом и перерождается в символ освобождения, гармонии, мира и процветания.
Кроме того, в проекте принимает участие английский художник, номинант на премию Тернера 2005 (Turner Prize) Даррен Алмонд (Darren Almond). На выставке он представил серию ночных фотографий полнолуния «Dragon’s eye» и «fullmoon@huangshan», сделанных им в одном из горных районов Китая Хуанг Шан(Huang Shan), который изобилует сакральными местами, когда-то нашедшими свое живописное отражение в творчестве классических китайских художников. Шотландский художник Чарльз Эвери (Charles Avery) вновь продемонстрировал результат теперь уже более чем десятилетней творческой деятельности, во время которой он занимался созданием фантастического острова. На выставке также представлены работы Спартакуса Читвинда (Spartacus Chetwynd), Майка Нельсона (Mike Nelson), Кати Паттерсон (Katie Paterson), Натаниэля Меллорса (Nathaniel Mellors), Валеада Бешти (Walead Beshty), Лори Грео (Loris Gréaud) и многих других.
Во время проведения Триеннале предполагается провести серию конференций, связанных непосредственно с темой выставки и ролью манифеста Altermodern в современном искусстве.

Галерея «Элизиум», 29 ноября — 27 декабря 2012.
«Художники театра Касьяна Голейзовского. 1918–1932», продолжающую цикл выставок, посвященных авангардному театру. Первая выставка цикла — «Памятники русского театрального авангарда» — состоялась в 2006 году.
Касьян Ярославич Голейзовский (1892–1970) — одна из знаковых фигур русского балета ХХ века, талантливейший русский балетмейстер, подлинный новатор — всю жизнь боролся за обогащение, обновление танцевального языка. Наследник классической балетной традиции русской школы, он жил в «состоянии постоянной жажды открытий» и пришел к подлинно авангардной хореографии, требовавшей от художника нового языка и новых приемов для решения новых задач.
Выставка в галерее «Элизиум» охватывает период с середины 1910-х до 1932 года. Это был значительный и плодотворный этап в жизни Голейзовского-балетмейстера. Ранний период его творчества пришелся на время становления и развития русского авангардного театра 1910–20-х годов, и в этот процесс К. Голейзовский внес важнейший вклад. Оформление сценического пространства и театральный костюм — часть пластической концепции Голейзовского. Сам одаренный художник, Голейзовский сотрудничал лишь с теми, кто был талантлив и отвечал его авангардным исканиям. Для этих художников недолгое время русского классического авангарда стало периодом высших достижений в театральном искусстве. На выставке будет представлено творчество одиннадцати художников: П. С. Галаджева, Дани, В. А. Ефимова, Н. А. Мусатова, А. Г. Петрицкого, Г. А. Пожидаева, А. М. Родченко, М. М. Сапегина, Н. И. Сибиряковой-Голейзовской, Б. Р. Эрдмана, С. И. Юткевича, а также произведения самого К. Я. Голейзовского.
За несколько лет балетмейстер прошел путь от кубистической стилизации в эскизах Г. Пожидаева для балета «Маска Красной смерти» (1919) к конструктивистскому оформлению танцевальных композиций первой половины 1920-х годов Б. Эрдмана и А. Петрицкого.
В постановках Голейзовского изменяется сам тип сцены балетного театра, впервые появляется декорация-конструкция. Он применяет конструктивистское оформление в балете «Сарказмы» (1922). Б. Эрдман разрабатывает для него конструктивистские сценические декорации к балету «Фавн» (1922). Логическое продолжение эта линия находит в конструктивистском макете А. Петрицкого к балету «Смерть Изольды» (1924). Совершенным образцом конструктивистских изысканий Голейзовского можно считать декорации Б. Эрдмана к балету «Иосиф Прекрасный» (1925).
Среди художников, с которыми сотрудничал Голейзовский, — тонкий график П. Галаджев, органично встроивший кубизм и конструктивизм в оформление постановок, основанных на классической балетной школе; Н. Мусатов, в костюмах которого пластика обнаженного тела танцовщика не скрывалась от глаз зрителя, но подчеркивалась летящими, яркими элементами — лентами, тканями, что бесконечно разнообразило зрелище танца, дополняя движение и позы; Б. Эрдман — самый изобретательный и концептуальный художественный соавтор Голейзовского, чьи лаконичные по композиции, сделанные в кубистической стилистике и обогащенные выразительными деталями, тканями, материалами костюмы естественным образом становились не только украшением танца, но и его полноправным участником, и целый ряд талантливых авторов.
Каждого автора из тех, кто представлен в настоящем каталоге, исследователи называют в числе самых ярких представителей русского театрального авангарда.
Выставка, приуроченная к 120-летию со дня рождения выдающегося русского балетмейстера, организована совместно с Государственным центральным театральным музеем им. А. А. Бахрушина, Музеем Государственного академического Большого театра России, Государственным центральным музеем кино, Российским Государственным архивом литературы и искусства и фондом «Сохранение творческого наследия Касьяна Голейзовского». Музеи и архив предоставили для выставки 68 произведений из своих собраний, всего же в состав выставки войдет более 200 экспонатов.
Выставка сопровождается объемным научным каталогом, в котором опубликованы 207 произведений (некоторые — впервые), приведены уточненные биографии художников и статьи известных специалистов Е. Я. Суриц и И. Н. Дуксиной, посвященные творчеству балетмейстера-новатора и сотрудничавших с ним художников. Кроме того, в каталоге впервые будет дана подробная иллюстрированная хроника событий творческой жизни К. Голейзовского с 1909 по 1932 год. Хроника, ставшая результатом кропотливой исследовательской работы, составлена на основе архивных документов и научных публикаций признанных специалистов, в ней систематизирован массив сведений о богатой и разнообразной творческой деятельности балетмейстера и участии в ней художников театра. Хроника, статьи и биографии сопровождаются иллюстрациями из журналов 1910–20-х годов, редкими фотографиями из частных и государственных архивов.
Каталог снабжен справочным аппаратом, в том числе аннотированным именным указателем, призванным дополнить представление читателя о времени и интересах К. Голейзовского и художников его круга.
Выставкой «Художники театра Касьяна Голейзовского. 1918–1932» галерея «Элизиум» отмечает 15-летие со дня своего основания.

В Государственном Русском музее открывается выставка «Петр Дик. Территория тишины».
Экспозицию второй (после 1997 года) персональной выставки российского художника Петра Дика (1939–2002) в Русском музее составляют около 100 работ, исполненных в технике пастели. Художник использовал для своих композиций необычную бумагу — он рисовал на наждачных листах, что помогало достигать ощущения особой эмоциональной глубины образов, часто находящихся на границе реального и беспредметного. В творчестве Дика, этнического немца, родившегося в России и долгие годы жившего и работавшего в городе Владимире, в удивительной гармонии сочетаются европейская аналитичность и утонченная поэтичность Востока. Одним из главных источников вдохновения для мастера было древнерусское искусство, обращенное к первоосновам бытия. Петр Дик работал во многих жанрах, в каждом из которых он предстает как художник-философ, открывающий связь между обыденным и вечным.

ДИК Пётр Гергардович.
1 января 1939 (село Глядень Благовещенского района Алтайского края) — 2002 (Ворпсведе, Геомания)
Живописец, график, скульптор
Потомок переселенцев из Северной Германии. В 1954 окончил семилетнюю школу в селе Глядень. В 1955–1956 работал на лесоповале в Горном Алтае, грузчиком, землекопом на железной дороге на станции Ново-Благовещенка, сигналистом и помощником взрывника на карьере в Нижнем Тагиле. В 1957 поступил в Свердловское художественное училище им. И. Д. Шадра, которое окончил в 1962. Недолгое время преподавал в изостудии Дома культуры железнодорожников в Свердловске, а также работал в художественном фонде Свердловска.
В 1966 переехал во Владимир. В 1967 принял участие в областной художественной выставке. В 1968 продолжил образование в Московском Высшем художественно-промышленном училище в Москве (бывшее Строгановское) на отделении художественной обработки металла. В 1973, после окончания учебы, возвратился во Владимир. С 1975 постоянный экспонент региональных, российских и всесоюзных выставок. В 1975 создал Центральный мемориал на Князь-Владимирском кладбище. В 1977 был принят в Союз художников СССР. В 1979 совершил поездку в Латвию в дом творчества им.Т. Залькална в Дзинтари. Начал работать в технике литографии.
В 1982 во Владимире состоялась первая персональная выставка Дика. За ней последовали персональные выставки в Ленинграде (1985), Владимире (1989), Москве (1992), Лондоне (1993). В 1993 после успешной продажи его работы на аукционе Sotheby`s приобрел известность в России и европейских художественных кругах. В 1994 прошла выставка произведений художника в Государственной Третьяковской галерее, В 1997 — в Государственном Русском музее.
В 1991 Дику было присвоено звание заслуженного художника России, в 1999 — народного художника России, в 2001 он был удостоен российско-германской премии в области искусства. В 2002 скоропостижно скончался накануне открытия своей персональной выставки в городе Ворпсведе в Германии. В 2005 в ГМИИ им. А. С. Пушкина прошла ретроспективная выставка произведений Дика «Вычитание случайностей».
Основная часть творческого наследия художника — графика, выполненная в технике пастели и угля на наждачной бумаге. Он выработал собственную манеру, отличительными чертами которой являются камерность, густой, плотный, аскетичный колорит, построенный на сочетании локальных цветовых пятен, фактурная поверхность листа, простота мотива и лаконизм композиционного построения.
В стилистическом отношении творчество Дика находит много общих черт с метафизическим направлением в искусстве 1960-х — 1970-х, представленном именами Д. М. Краснопевцева, Д. П. Плавинского. Однако художник не принадлежал к кругу мастеров так называемого «Другого искусства», а его художественные поиски носили параллельный самостоятельный характер.
Творчество художника представлено во многих российских и зарубежных музеях, а также в частных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Московском музее современного искусства, Баварском государственном фонде художественных коллекций в Мюнхене.

С 28 ноября 2012 по 13 января 2013 в Музее наивного искусства проходит выставка московской художницы Ларисы Косяковой"Люди, птицы, рыбы...".
Название выставки, предложенное самой художницей, точно отражает тематику представленных ею работ. Любимый художник Ларисы – Пабло Пикассо, о котором она говорит: «Он был такой игрун! Он художник для художников. Ставил всегда новые задачи и с такой силой и лёгкостью их решал».
О себе она рассказывает:
«Не люблю занудства в искусстве. Лучше быть автомобилем, чем трамваем! На этой выставке представлены работы, которые легко собрались под название: «Люди, птицы, рыбы...»
На официальных групповых выставках — отчётных, зональных, фестивальных им, может быть, не нашлось бы места, поэтому мне захотелось познакомить с ними зрителей. Иногда маленькая камерная работа способна «зацепить» так, как не под силу большой. Надеюсь, что то, что мною вкладывалось при написании работ, найдёт отклик в душах зрителей».

Выставка художника Николая Перцева в Ярославле.
В Ярославском художественном музее проходит выставка, приуроченная к 110-летию со дня рождения Николая Васильевича Перцева (1902, Ярославль — 1981, Ленинград).
Творческое наследие Николая Васильевича Перцева — реставратора, музейного работника, исследователя, педагога — обширно, но во всей полноте творческий потенциал этого человека раскрывается при знакомстве с его художественным наследием.
Перцев-художник оставил после себя более пятисот произведений живописи и графики. Выступая на открытии своей выставки в Ярославле в 1978 году, он сказал: «Хотя моя основная профессия — реставрация древнерусского искусства, живопись никогда не была для меня, как принято говорить, “хобби”. Она всегда была средством самовыражения, создания художественных образов».
Опыт работы с музейными вещами, практика реставрации, кругозор помогали художнику уже в начале творческого пути создавать образы, адекватные его мироощущению. В 1920-е годы он экспонирует свои произведения на выставках Ярославского отделения АХРР, Ярославского общества работников изобразительных искусств. Какой бы работой Николай Васильевич ни занимался, живопись всегда оставалась в его жизни.
С 1931 года Н. В. Перцев жил в Ленинграде. Он чутко впитывал атмосферу города, его эстетику. Классическая архитектура, гармония Ленинграда способствовали формированию художника камерного, тонкого. Николай Васильевич был близок ленинградским художникам своей причастностью к бытию, а не к быту, вниманием к колористической организации холста, выразительности силуэта и цветового пятна, композиции в целом.
В 1950–1956 годах Николай Васильевич был членом Ленинградской организации Союза художников. В последующие годы во время поездок, связанных с обследованием и регистрацией памятников Новгорода, Пскова, Вологды, во время своих отпусков, которые проводились в самых разных уголках нашей страны, всюду писались многочисленные этюды.
В начале 1960-х годов он обратился к новому, только что появившемуся материалу — поливинилацетатной, или синтетической, темпере. Его привлекли цветовые возможности этого материала, его декоративные свойства, чистота цвета. Для претворения идеи в художественный образ в каждом отдельном случае автор искал свой живописно-пластический язык. Если ранние варианты тяготеют к натуре, то в последних работах автор намеренно уходил от нее, усиливая выразительные средства самой живописи. Николай Васильевич никогда в своем творчестве не останавливался на достигнутом. Идя дорогой поиска, он стремился шагать в ногу со временем, чутко реагировал на изменения, происходящие вокруг.
С 1970-х годов состоялось не менее десяти персональных выставок художника. Его произведения хранятся в собраниях Государственного Русского музея, Вологодской картинной галереи, Архангельского музея изобразительных искусств и других.
Ярославский художественный музей — хранитель части наследия художника, которая включает около ста произведений живописи и графики, здесь же хранится часть архива и уникальные фотоматериалы.

В Доме-музее Павла Кузнецова (филиале Радищевского музея) открылась выставка автолитографий Павла Кузнецова «От Саратова до Бухары» ко дню рождения художника.
«На линиях органического пересечения художника с местом его жизни и
творчества возникает новая, неведомая прежде, реальность...»
Петр Вайль. «Гений места»
…«От Саратова до Бухары» расстояние не только территориальное, но и временно́е. Для нас Восток всегда ассоциируется с Прошлым: далеким, забытым, а значит, таинственным и даже сказочным. Желание прикоснуться к тайне было всегда: массовое, модное, когда художники покидали уютные кафе, а художественные салоны заполнялись сценами из экзотической восточной жизни и причудливыми орнаментами. А было и так: «С Соколовой горы... я наблюдал Волгу и бесконечные просторы степей, начинающихся с противоположного берега. И эти таинственные дали неудержимо влекли меня... Желание было столь велико, что я наконец, взяв с собой брата, переправился через Волгу и, сев в поезд, доехал до станции Таловка, пересел в телегу и углубился на сто пятьдесят верст в глубь степей». Так описывал Павел Кузнецов свою первую поездку за Волгу, в степи...
О «восточном Кузнецове» написано очень много, выделяют несколько периодов, временны́х, художественных... На протяжении пятнадцати лет он посещал территории нынешнего Казахстана. А уже сформировавшимся мастером попал на подлинный Восток — в Среднюю Азию.
В день рождения художника в его доме-музее открылась выставка автолитографий из серий «Туркестан» и «Горная Бухара», ставших квинтэссенцией его взглядов и представлений о Востоке. Гостям представляется уникальная возможность увидеть хорошо знакомого живописца, автора хрестоматийных «Бухарского натюрморта» и «Миража в степи» Кузнецова блестящим графиком.
«Туркестан» у художника почти эпический, вне времени и быта, рафинированный и убедительный. В уверенных и легких линиях — геометрия мечетей и изгибы вековых деревьев, люди — все подчинено единому закону архитектоники. Окна-арки зданий и «арки» верблюжьих горбов… Горизонтали каменных построек и женских головных уборов, узоры тканей и павлиньих перьев.
Серия «Туркестан» скорее философская, «Горная Бухара» — это романтика. И если в первом случае художник «микширует» впечатления и воспоминания, во втором, очевидно, вдохновляется натурой. Вы увидите прекрасные цветные работы: пейзажи, городские и бытовые сюжеты. Легкость рисунка и свобода цвета: на контрасте бледно-коричневого и синего и плавно переходя от желтого к розовому. Бухара у Кузнецова то важная, то задумчивая, то гордая и рядом незамысловатая. Каждая деталь неслучайна, движения резки и лаконичны. Художник абсолютно уверен в своих мыслях, в своих действиях, в Своем Месте, где вершина Большого Чимгана стала вершиной творчества... А мы увидели «неведомую прежде реальность», Азию глазами очарованного художника.
Совсем другой взгляд представлен на выставке работами фотографов — открывающий Азию натуралистичную: закрытую, жесткую, непознанную, неприступную... А ведь эти фотографии сделаны современниками Павла Кузнецова в 1910-х годах.
Попытки пройти путем художника не оставляют сотрудников дома Павла Кузнецова, друзей музея и сейчас. Результаты своих путешествий по современному Востоку неоднократно демонстрировала Алена Сластихина. А мы представим еще один взгляд — исследовательский, культурологический. Несколько лет назад бывшая сотрудница Дома, Елена Караваева с группой художников посетила среднюю Азию. В одном из залов гости увидят слайд-шоу — фотографии Азии сегодняшнего дня, неожиданной, яркой, современной, но до сих пор не лишенной древней Тайны.
Металлические сосуды и керамику на выставке представил художник Владимир Солянов, жизнь и творчество которого также пересекалось с Востоком.
Выставка «От Саратова до Бухары» — небольшой итог работы сотрудников дома Павла Кузнецова и наших друзей, увлекающихся и разрабатывающих тему путешествий и исследования Средней Азии... Места, раскрывшего мастерство художника Павла Кузнецова.

КУЗНЕЦОВ Павел Варфоломеевич.
17 ноября 1878 (Саратов) — 22 февраля 1968 (Москва).
Живописец, график, сценограф.
Родился в семье иконописца. Первоначальное художественное образование получил в мастерской отца. В 1891–1896 учился в Рисовальной школе Общества любителей изящных искусств у В. В. Коновалова и Г. П. Сальвини-Баракки. Познакомился с В. Э. Борисовым-Мусатовым, часто бывал в его мастерской (поэтому в ранних работах Кузнецова чувствуется влияние искусства Борисова-Мусатова). В 1897 поступил в МУЖВЗ, учился у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, Л. О. Пастернака, затем в мастерской В. А. Серова и К. А. Коровина. Работал также в частной мастерской Коровина. В 1900–1901 за живописные этюды, в 1901–1902 за рисунки был награжден двумя малыми серебряными медалями.
Организовал в Училище художественный кружок, позднее названный «Голубая роза». Во время ученичества в МУЖВЗ познакомился с С. И. Мамонтовым, В. Д. Поленовым, А. Я. Головиным. Неоднократно посещал дом Мамонтова в Бутырках и Абрамцево, работал в керамической мастерской, осваивая технику майолики. При содействии Мамонтова совершил поездку на Север (через Архангельск, вокруг Скандинавии). В 1900 вместе с П. С. Уткиным и М. С. Сарьяном путешествовал по Волге.
В 1902 совместно с Н. Н. Сапуновым исполнил декорации к опере Р. Вагнера «Валькирия» для Большого театра. В том же году вместе с Уткиным и К. С. Петровым-Водкиным создал роспись церкви Казанской Божьей Матери в Саратове.
В 1904 окончил МУЖВЗ со званием неклассного художника. Был одним из организаторов выставки «Алая роза» в Саратове, прошедшей в 1904. В 1905 вместе с Борисовым-Мусатовым, М. А. Врубелем, В. В. Кандинским принял участие в 12-й выставке Московского товарищества художников, в 1906 — в выставке «Мира искусства» в Петербурге. Предпринял поездку в Париж, занимался в «свободных академиях» и художественных школах Монпарнаса. Участвовал в выставке русских художников в Париже, устроенной С. П. Дягилевым. С 1907 (по 1917) — член объединения «Свободная эстетика». В 1907 экспонировал свои произведения на выставке символистов «Голубая роза» в Москве, стал одним из лидеров одноименного общества.
В 1905–1909 много работал в области книжной и журнальной графики, сотрудничал с журналами «Искусство», «Золотое руно». В 1907–1909 написал декоративные панно для виллы Н. П. Рябушинского «Черный лебедь». В конце 1900-х — начале 1910-х совместно с Уткиным, А. Т. Матвеевым и Е. Е. Лансере создавал декоративное оформление виллы Я. Е. Жуковского Новый Кучук-Кой в Крыму.
В 1907 по 1914 неоднократно путешествовал на Восток, в Киргизские степи, Самарканд, Бухару, Ташкент. В 1913–1914 работал над эскизами декоративных панно для Казанского вокзала в Москве. В 1914–1915 сотрудничал с А. Я. Таировым в Московском Камерном театре.
После революции заведовал художественной секцией Моссовета, участвовал в агитационном оформлении Москвы к различным празднествам в1917 и 1918. В 1918 избран членом Коллегии и Отдела ИЗО Наркомпроса. Преподавал в Первых и Вторых Государственных свободных художественных мастерских. В 1920–1927 — профессор монументальной мастерской ВХУТЕМАСа, с 1927 по 1929 — профессор фресково-монументального отделения живописного факультета ВХУТЕИНа.
В 1923 предпринял поездку в Париж в связи с организацией персональной выставки в галерее «Барбазанж». В 1925 стал одним из членов-учредителей объединения «4 искусства». В 1929 удостоен звания заслуженного деятеля искусств РСФСР. В том же году в Государственной Третьяковской галерее, а в 1931 в Государственном музее изобразительных искусств прошли персональные выставки Кузнецова. В 1937 за панно «Жизнь колхоза» награжден серебряной медалью на Всемирной выставке в Париже. В 1930-х — 1940-х много занимался преподавательской деятельностью. В 1939–1941 работал в институте повышения квалификации по делам искусств Мосгорисполкома, в 1945–1948 — профессор живописи в Московском художественно-промышленном училище.
Неоднократно совершал творческие командировки, в 1925–1929 — в Крым и на Кавказ, 1930 — Армению, 1931 — Азербайджан, 1934 — Донбасс, 1935 — Мариуполь, 1936 — Мичуринск, в 1947–1966 неоднократно бывал в Прибалтике.
Персональные выставки художника состоялись в 1935, 1940, 1941, 1956–1957, 1964, 1968; посмертные — в 1971, 1978, 1990, 2003 в Москве, Ленинграде, Саратове.
Кузнецов прожил долгую жизнь, его творчество знало взлеты и падения, были годы блистательного успеха и почти полного непризнания. Он принадлежит к числу наиболее значительных представителей символизма в русской живописи. Расцвет творчества приходится на 1900-е — 1910-е. В 1920-е Кузнецов отошел от эстетики символизма, но сохранил характерные черты индивидуальной манеры: декоративность колорита в сочетании с неопримитивистской трактовкой сюжета. Несмотря на специфику тем его позднего творчества (например, нефтестроительство в Баку), работы мастера сложно отнести к официальному направлению советского искусства.
Творчество Кузнецова представлено в крупнейших музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А. С. Пушкина и других.

"Украшение красивого".
графика, живопись
Третьяковская галерея на Крымском Валу, до 10 Марта 2013.
Один из основоположников русского авангарда Михаил Ларионов призывал уравнять в эстетических правах образцы профессионального и наивного искусства, чтобы разрушить границы между элитарной и массовой культурой. Его дело продолжили Виталий Комар и Александр Меламид, выпустив эпатажную серию «Выбор народа». Опросив граждан разных стран, художники пришли к выводу, что большинство всем жанрам предпочитают пейзажи и относятся с недопониманием к абстракции. Воплощением идеала наших соотечественников стала «Лучшая картина для России» с лесом и медведем. В «Лучшей картине для Кении» место медведя занял носорог. Следующим художником, решившим возвести китч в ранг элитарного искусства, стал Валерий Кошляков. Его работа «Украшение красивого», созданная по мотивам рекламных вывесок, дала название выставке, которая проводится в Третьяковке под девизом «Признавать все!»

«Павел Шиллинговский (1881–1942). Гравюра/Рисунок. Архив семьи П. Е. Корнилова, Санкт-Петербург».
Галеев Галерея, 21 декабря 2012 — 25 февраля 2013.
Произведения Павла Александровича Шиллинговского (1881–1942) в истории русской гравюры ХХ века занимают особое место. Интересно, что свой первый диплом в Академии он защищал как живописец (мастерская Д. Н. Кардовского, 1911) и лишь позднее он решил посвятить себя искусству гравюры (мастерская В. В. Матэ, 1914), которой не изменял до конца своей трагической гибели в блокадном Ленинграде в 1942 году.
Как и другие ученики В. В. Матэ (А. П. Остроумова-Лебедева, В. Д. Фалилеев, И. Н. Павлов и другие), П. А. Шиллинговский стоял у истоков зарождения русской гравюры ХХ века. Именно этому поколению художников удалось пробудить в обществе интерес к гравюре как к художественной ценности, к музейному и собирательскому объекту. Впервые появившись в начале 1910-х годов на выставках (Академии художеств, объединения «Мир Искусства», в Москве, Петербурге и Лейпциге) гравюры Шиллинговского сразу привлекли к себе внимание критиков классической завершенностью, техническим совершенством, виртуозным владением инструментами гравера, приверженностью лучшим образцам Ренессанса и барокко.
Павел Шиллинговский добивался успеха во всех видах гравюрного мастерства.
Одну из самых значительных своих работ в ксилографии (гравюре на дереве) он посвятил Петербургу, — альбом «Петербург. Руины и Возрождение» (1923) и сегодня представляет историко-художественный интерес. Наряду с аналогичными графическими сюитами М. В. Добужинского («Петербург в 1921 году», 1923) и А. П. Остроумовой-Лебедевой («Петербург», 1922), альбом Шиллинговского дает панораму руинированного, но вместе с тем исполненного торжественности и величия города на Неве. Выпущенный небольшим, коллекционным, тиражом, альбом сегодня является библиографической редкостью. На нашей выставке наряду с подлинными оттисками гравюр из этого альбома впервые демонстрируются эскизы пером и тушью, которые послужили фундаментом для работы над гравюрами.
В искусстве офорта Шиллинговский показал себя мастером самого широкого диапазона. Ему удавались композиции разного характера: и монументальные по задачам и формату панно (офорты «Бегство в Египет» и «Лот с дочерьми», 1914 — одни из самых грандиозных по размеру гравюр в истории), и миниатюрные, с ладошку, шедевры (циклы «Чуфут-Кале», 1924, и «Армения», 1926), детали которых можно рассматривать под лупой или микроскопом; портретные работы («Портрет Сталина», 1929) или пейзажи (цикл «Бессарабия», 1910-е), поражающие проработанностью и мастерством.
Цикл литографий, посвященных Армении (альбом «Новая Армения», 1928, и отдельные листы), вызвал массу откликов в печати 1920-х годов. Авторы рецензий (В. В. Воинов, И. А. Орбели) подчеркивали не только исторически важный контекст этих работ, но и их высокохудожественный уровень. Шиллинговский добивался светоносности оттиска, удивлял зрителей подробным перечислением архитектурных и бытовых реалий, социо-культурных и национальных особенностей.
Как книжный иллюстратор художник исполнил ряд заказов легендарного издательства Academia (1930-е), среди которых выделяется издание гомеровской «Одиссеи» (1935). По общепринятому мнению, это одна из самых интересных книжно-оформительских работ издательства. В процессе работы Шиллинговский исследовал огромное количество образцов античной материальной культуры. Сохранившиеся эскизы — кальки, наброски, варианты — наряду с оригинальными оттисками дают представление о грандиозности этой художественной задачи. Античный эпос благодаря Шиллинговскому заговорил обновленным языком, языком образов и символов ХХ века.
Выставка Галеев Галереи, впервые представляющая творчество художника в Москве, построена на основе собрания П. Е. Корнилова (1896–1981), известного ленинградского коллекционера, музейного работника, автора многих трудов по истории искусства ХХ века, ближайшего друга Павла Александровича. Корнилов был инициатором и автором целого ряда книг и статей о творчестве художника, организатором его первой персональной выставки (1924). После смерти Шиллинговского Корнилов унаследовал архив художника, который впоследствии распределял по центральным и периферийным музеям страны. Организаторы выставки благодарны наследникам Петра Евгеньевича за возможность экспонирования работ П. А. Шиллинговского.
К выставке по установившейся традиции подготовлен альбом-монография о художнике. В нем впервые воспроизведены работы, находящиеся не только в частных собраниях, но и в фондах государственных музеев: Государственного музея города Санкт-Петербурга, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Национального музея искусств Молдовы.

Ежегодная арт-ярмарка Armory Show привлекает десятки тысяч коллекционеров, критиков, музейных экспертов, кураторов и художников со всей Америки, из Европы и Азии. Для галерей это отличная возможность показать свои коллекции, для художников — прекрасный шанс заявить о себе.
В этом году впервые в рамках официальной программы Armory Show в Нью-Йорке открылся Русский Художественный павильон. Под него арендовали двухуровневый выставочный зал в самом центре Манхеттена — у Центрального Парка. Организаторы — Музей Русского искусства (штат Нью-Джерси), Фонд Искусства имени Колодзей, Галерея Современного искусства Кавачниной и Русско-американский культурный центр «Северный Крест». Вот что рассказал «Голосу России» один из создателей павильона, художник Артём Миролевич:
«Этот павильон и эта идея — в этом году это в первый раз. Идея была очень простая. Мне позвонил мой друг художник Валера Ершом и предложил сделать выставку вдвоем во время Armory Show. Я ему ответил встречным предложением: „Давай сделаем Русский павильон, соберем лучших наших бывших соотечественников“. Этому проекту всего 4 месяца. Я безмерно горд и счастлив, что за такое короткое время мы достигли такого уровня художников».
Для выставки кураторы отобрали живописные работы, скульптуры, гравюры, фотографии, инсталляции и видео-арт. Самые известные из авторов — Эрнст Неизвестный и арт-группа «Синие носы». Кроме того, в экспозиции работы Валерия Ершова, Виктора Бокарева, Рустама Хамданова, Тагухи Барсегяна, Виктории Коваленчиковой, Ильи Шевеля, Игоря Зайцева и еще десятка мастеров. Все они, по мнению директора «Музея русского искусства» в штате Нью-Джерси и соавтора проекта Павильона Бориса Беленького, отражают современное российское искусство:
«Здесь очень разнообразные работы. Нет такого, что все подбиралось бы по какой-то одной теме. Тут, как вы видите, совершенно разнообразные стили. Одни, казалось бы, с другими совершенно не совместимы. Но в целом все выглядит хорошо. Это представители российского искусства, которые живут и в России, и в Америке, и в Голландии, и по всему миру. Мы решили заложить такую традицию в Нью-Йорке на одном из самых больших художественных событий в Америке — Armory. И будем пытаться вызвать интерес среди американцев».
В этом году выставка-ярмарка современного искусства Armory Show отмечает сто лет. И зарождение проекта Русского павильона выглядит символичным. Авторы проекта надеются сделать его ежегодным и выйти на рамки Нью-Йорка. Она намерены создавать аналогичные павильоны на международных выставках современного искусства в Сан-Франциско и Майями.

10 апреля - 14 июля 2013
Шедевры резьбы по кости в "Коломенском".
В основе экспозиции - уникальная коллекция семьи Карисаловых из Санкт-Петербурга, а также объекты из музея-заповедника. Столь масштабное собрание предметов, вырезанных из кости, демонстрируется впервые.
Среди шедевров проекта - резной ларец, выполненный в конце XVII века в Архангельской губернии из кости мамонта. Шкатулки, комоды-бюро, зеркала, пистоли, декоративные скульптуры и игрушки - более 200 уникальных объектов иллюстрируют основные направления и техники этого тонкого искусства.
"Особый интерес представляют резные костяные иконы работы русских мастеров XVIII-XIX вв.", - отметила Екатерина Шмакова, куратор проекта. По ее словам, в российской традиции резьбы по кости просматривается связь с двумя основными культурами - лубочной и охотничьей.
Зарождение искусства резьбы по кости в России относят к XII веку. Некий резчик из русов прославляется в византийской летописи тех лет. Затем традиция резьбы по кости была забыта в связи с церковным запретом на изображение людей. Возрождение интереса к этому искусству связано с личностью Петра I, упразднившего религиозные условности и необычайно увлекавшегося резьбой по кости после поездки на север. Неудивительно, что изображения императора - частый сюжет в работах русских косторезов. На выставке в "Коломенском" представлена редкая копия знаменитого "Медного всадника" Фальконе.

В ГМИИ имени Пушкина выставлены 11 шедевров Тициана, привезенные из флорентийской Галереи Уфицци и еще семи итальянских городов. Экспозиция в ГМИИ является самой представительной выставкой работ мастера, которые привозили в Россию из-за рубежа.
Директор Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина Ирина Антонова отметил: "Немного произведений - 11 картин, но они подобраны с удивительной, я бы сказала, щедростью, с одной стороны, а с другой - с вниманием к содержанию выставки как таковой. На ней практически мы знакомимся со всеми главными темами искусства Тициана".
Позировать одному из главных мастеров эпохи Возрождения считали для себя честью императоры и понтифики, за что гениального художника называли "королём живописи" и "живописцем королей".

В Еврейском музее открылась выставка «Энди Уорхол: десять знаменитых евреев ХХ века», соединяющая портретные работы короля поп-арта с документальными материалами о жизни Зигмунда Фрейда, Сары Бернар, Альберта Эйнштейна, Франца Кафки и других исторических личностей.
Когда нью-йоркский галерист Рональд Фельдман в 1980 году подбивал Энди Уорхола создать портретную серию с персонажами из числа великих евреев, он подразумевал, что этот проект должен придать репутации художника некоторую фундаментальность. К тому времени Уорхол был уже давно и весьма популярен,
но его доверенный дистрибутор хотел превратить скандальную славу в устойчивое реноме классика современности.
Имеется подозрение, впрочем, что знатный поп-артист и без того был уверен в своем эпохальном влиянии на искусство ХХ века, однако за работу взялся не без увлечения. Незадолго до вернисажа в Еврейском музее Нью-Йорка он писал:
«Выставка должна быть простой, без прибамбасов, но мне кажется, что получится весело».
Предположения о том, что же имел в виду Уорхол под словом «весело», могут сейчас выдвинуть и посетители московской экспозиции. Вообще-то никакой особой игривости здесь не обнаруживается — правда, стоит учесть, что в Нью-Йорке 34 года назад были показаны по три варианта каждого портрета. Не исключено, что именно та полутиражная вариативность и забавляла автора.
В Москве все изображения представлены строго по одному: эта часть давнего арт-проекта принадлежит фонду предпринимателя из США Лена Блаватника.
Экспонаты, конечно, подлинные — в той степени, в какой манера позднего Уорхола может соотноситься с привычными понятиями об оригинале художественного произведения. Шелкографные принты на холсте, собственноручно и нарочито подправленные автором, — это и есть оригиналы, ничего «более подлинного» не существовало по определению.
Уорхол предпочитал конструировать подобные портреты на базе собственных поляроидных снимков, но в данном случае речь шла не о живых моделях, а о покойных личностях, поэтому художник работал с архивными фотографиями. Не сказать, чтобы это повлекло за собой какие-то радикальные перемены в уорхоловской эстетике, но все же вышло, пожалуй, чуть торжественнее и иконообразнее, чем с заказными портретами современников. Торжественнее — издалека, а
вблизи заметно, что чрезмерного пиетета перед историческими личностями художник тоже не испытывал.
Где-то вполне «нахально» манипулировал голубыми и розовыми колоритами, где-то совершенно намеренно промахивался с наложенными на лица контурами, где-то устраивал эквилибр из геометрии. Так что упомянутое словечко «весело» могло относиться и к этим вольностям.
Однако игра — не синоним издевки. Несмотря на звучавшие критические ноты, еврейское сообщество Нью-Йорка выставку 1980 года восприняло в целом благожелательно.
Нынешний московский показ тем более не предполагает вопросов и недоумений: перед публикой — в чистом виде хрестоматия.
Обсуждать выбор лиц для портретной галереи было бы тоже странно. Кого Уорхол включил, того и включил; это ведь не энциклопедия и не Доска почета, а почти спонтанная инициатива. Хотя нельзя не придраться к арифметике: строго говоря, знаменитых евреев здесь не десять, а двенадцать. На одном из портретов фигурируют братья Маркс — трое из прославленного комического квинтета. Нетрудно догадаться, что случилась путаница при переходе с английского на русский: уорхоловская серия называлась «Десять портретов знаменитых евреев ХХ века». Количество опусов может не совпадать с количеством персонажей, это само собой разумеется, но устроители почему-то не заметили разницы.
Зато они очень ответственно подошли к биографическим презентациям.
На обороте каждого стенда с портретом располагается мультимедийный мини-комплекс: тексты, объекты, фотографии, наушники, видеомониторы;
можно устремиться к познанию того, чем же интересны герои уорхоловских полотен. Например, услышать, как писательница Гертруда Стайн читает свое стихотворение «Если бы я сказала ему: Законченный портрет Пикассо». Или увидеть Сару Бернар в двухминутном киноэпизоде 1900 года «Дуэль Гамлета». Изучить наглядную схему мироустройства, предложенную философом-экзистенциалистом Мартином Бубером. Ознакомиться с факсимиле письма Франца Кафки к его деспотичному отцу. Насладиться звуками «Рапсодии в голубом» Джорджа Гершвина. Посмеяться над комедией «Утиный суп» тех же братьев Маркс. А заодно и вспомнить про становление государства Израиль: эту линию здесь поддерживают биографии Луиса Брандайса и Голды Меир.
Нынешний проект получился камерным, но обстоятельным.
Обстоятельным, но несколько бесцельным — своего рода эссе о том, что жили в ХХ веке разные выдающиеся евреи, потом они умерли, после смерти их изобразил на свой лад американский русин Энди Уорхол — и тоже умер.
Теперь по этому поводу создан временный мемориал со справочной информацией. Если у выставки и есть некая тонкая сверхидея, то уловить ее затруднительно. Условный девиз «каждому портрету — свой бэкграунд» звучит вроде бы весомо и актуально, однако на практике получается, что новейшие музейные технологии придавливают внятную концепцию. Мегабайтов много, занятных мыслей гораздо меньше, волнующих эмоций — совсем чуть-чуть.

Из-за нестабильной ситуации в Киеве сотрудники Музея Рублева досрочно вывезли иконы. Три десятка шедевров религиозной живописи демонстрировались в заповеднике "София Киевская" с декабря прошлого года.
В настоящее время иконы XV-XVII веков проходят процедуру таможенного оформления и после этого они будут отправлены в Москву.
Сотрудники Музея Рублева выражают уверенность, что в свое время совместная работа с украинскими коллегами будет продолжена.

В галерее «Триумф» открылась выставка художника Дмитрия Гутова «Жизнь тяжела, но, к счастью, коротка».
Обертки от конфет, коряги, холсты с надписями: в галерее «Триумф» открылась выставка художника Дмитрия Гутова «Жизнь тяжела, но, к счастью, коротка» — живописный эпос, притворившийся стеной.
Последние несколько лет художник Дмитрий Гутов делает внушительных размеров конструкции из обрезков железа, которые при взгляде с определенной точки превращаются в трехмерные иконы и эротические сценки с участием вакханок. Выставка его живописи в галерее «Триумф» работает по тому же принципу. Чтобы почувствовать ее нерв (пульсирующий, например, в работе «Жалкое, кривое, скособоченное, несовершенное»), нужно отойти подальше и абстрагироваться от неприглядности материала.
Гутов-художник прячет в себе интеллектуала-марксиста под маской деструктора-постмодерниста, не чурающегося ярмарок современного искусства, биеннале и коммерческих галерей. Гутов-теоретик пропагандирует идеи не самого популярного советского философа-антимодерниста Михаила Лифшица, который громил и разоблачал западный авангард. В 1990-х Гутов участвовал в радикальных акциях московских акционистов (Бренер, Кулик, Осмоловский) и насмехался над профанами, пишущими березки да домишки в квазиклассическом духе (проект «Дилетантизм в искусстве»).

Выставка Жана Пигоцци открылась в Пекине.
Портреты Одри Хепберн, Энди Уорхола, Валентино Гаравани и других знаменитостей.
Вчера в Центре современного искусства Улленс (Ullens Center for Contemporary Art), одном из самых влиятельных в Китае, открылась выставка Жана Пигоцци, на которой представлены портреты звезд первой величины и джетсеттеров. Пигоцци имел почти неограниченный доступ к знаменитостям, дружил со многими из них и имел возможность поймать такие кадры, о которых папарацци не могли даже мечтать.
Куратор выставки — кинорежиссер Алекси Тан — собрал в экспозиции 250 черно-белых снимков, на которых изображены Энди Уорхол, Наоми Кэмпбелл, Стив Джобс, Одри Хепберн, Валентино Гаравани, Николь Кидман и не только. Все они заряжены особенной энергетикой и показывают знаменитостей с более личной стороны — перед объективом Жана Пигоцци многие из них не надевали масок. На выставке "Мой мир" можно увидеть как снимки многолетней давности, так и совсем свежие, снятые на церемонии "Оскар" 2014 года.

В американском Питтсбурге, в музее Энди Уорхолла, открывается выставка, знаковая для ценителей искусства 70-х. Она называется символично: "Уорхол и Хальстон: серебро и замша" и посвящена двум иконам того времени - королю поп-арта Энди Уорхолу и культовому американскому дизайнеру Рою Хальстону, в длинных платьях авторства которого в 70-е на дискотеках танцевала вся нью-йоркская богема.
У художников было много общего. Они дружили и много времени проводили вместе: Хальстон покупал картины Уорхола и украшал ими стены своего таунхауса на Манхэттене, а Уорхол называл Роя главным дизайнером Америки и посвятил ему одну из глав своей книги.
На выставке покажут 40 вещей авторства Хальстона - его знаменитые замшевые платья, наряды из джерси, а также шляпу, которая сделала его знаменитой - ее на церемонии инаугурации Джона Кеннеди надела Джеки Кеннеди; а также фотографии и картины Уорхола.
Работают над экспозицией не только представители музея, но и племянница Хальстона Лесли Фоук. «Мне так нравилось проводить время с дядей и Энди: выходные в Монтоке, ночи в городе, тихие домашние ужины. Эта выставка — дань моде, искусству и дружбе", - комментирует Лесли.
Выставка откроется в Питтсбурге 18 мая и продлится до конца августа